ロストロポーヴィチ国際チェロコンクールで日本人初の優勝という、その鮮烈なデビュー以来、宮田大は常に音楽界の先頭を走り続けている。さらに、自分自身の奏でる音で聴衆を納得させられる数少ない演奏家のひとりだ。チェロという楽器の魅力を引き出しながら、活動の場もどんどん広げている。今回、そんな宮田が満を持してオール・ピアソラ作品による新作アルバムをリリースした。新作の話とあわせて音楽に対する考えや想いまで、宮田の現在地を照らし出すトピックが満載！

第6弾アルバム「Piazzolla」をひっさげて

――2022年2月、今回のアルバムの発売を記念してコンサートが行われるそうですね。 （公演情報はコチラ） 生誕100周年ということもあり、「ピアソラへのオマージュ」をコンセプトに掲げています。ピアソラへの敬意というのはもちろんですが、アルバムには普段なかなか演奏されないような作品も入っているので、そういった作品の紹介と、これまでにはなかった楽器の組み合わせによるサウンドをお届けできたらと思っています。 ――アルバムも非常に充実したラインナップでしたが、コンサートならではの聴きどころはどんな点でしょうか？ ピアソラの作品には即興的な要素が多く、演奏するごとに変わるところもあります。どの作品もそうですが、特にピアソラの音楽って一期一会だなと思います。コンサートでは、そういう意味でCDとはまた違った演奏になると思うので、ぜひ聴き比べのような感覚で楽しんでいただけたらと思います。 ピアソラって、どちらかというとイージーリスニング（事前情報を必要としないで楽しめる音楽）になりがちだと思います。これまでもピアソラの作品をいろいろと取り上げてきましたが、演奏し終わった時にいつも疲れきってしまうんです。何かを吸い取られたような、あるいはパワーを使うと言うか……。お客様も集中していらっしゃるのが分かります。喜怒哀楽を感じながら聴く傾向が強い作品だからこそ、よい意味での疲労感が生まれるんだと思います。弾くのも聴くのもすごくパワーを必要とする、不思議な作品だと思います。 ――今回取り組まれてみて、宮田さんのなかでのピアソラ像はどんなものになりましたか？ チェロ奏者にとって、生涯演奏したい作品の筆頭として名があがるのはおそらくバッハの《無伴奏チェロ組曲》だと思います。この曲は特に演奏する年代によって聴こえ方が変わる作品だと思います。年相応の魅力が出てくる、とでもいえるでしょうか。若い方が演奏するとフレッシュで爽やかな風が駆け抜けていくような演奏ですし、お年を召した方とかですと1つ1つの音の中にそれまでの人生が詰め込まれているような、円熟味のある演奏になると思うのです。歳を重ねてきたからこその、味わいのような。音自体に自分の現在地点が如実に反映されるという意味では自己紹介的な作品だと思います。 今回ピアソラの作品を取り上げてみて、《無伴奏チェロ組曲》と同じように年を重ねたときにまた録音してみたいと思いました。ちなみに《天使の組曲》を今回はチェロとピアノで演奏しているのですが、4曲からなるこの作品を全てチェロで演奏している人はおそらく世界中でいないと思います。 ――やはり技術的に相当高度になるのでしょうか？ そうなんです。まずチェロで弾くには少し無理があるのです。《天使の組曲》は山中さんと私2人だけで演奏しています。これは今後リサイタルでも演奏できる1つの大作として、チェロ・ソナタのような感覚で演奏したいと思っています。将来演奏するとどんな風に演奏が変わっていくのかなっていうのは感じますね。 決してはっきりとした明暗で分けられないような感情表現が隠れているピアソラ作品だからこそ、いつ弾いてもあるいは聴いても発見があるのだと思います。 その意味で、実は今回のCDジャケットもそういったピアソラの音楽の性質とリンクしているところがあります。今回のビジュアルはレンブラントの絵画に出てくる光の筋のように、空から光が差し込んできています。これ実は自然光なんです。雲の切れ目から太陽が顔を出てくる太陽待ちの時間もあったりして（笑）。「あ、今から太陽でるよ！」みたいな感じで撮影していました。 ――まさに一期一会！ そうなんです。 人工的な色合いとか色彩感ではなくて、その時にしか見ることのできない世界です。太陽が雲に隠れたりまた出てきたりするときの光の揺らぎが、人間の喜怒哀楽や人生に繋がるのではないかと思いました。 私はスキューバダイビングが好きなんですけれども、海の中に差し込む光はまるでカーテンみたいで、オーロラのように見えるんです。光そのもののイメージも、自然界で作り出される一期一会の空間を演出してくれて、CDのジャケットからも感じ取っていただけるのではないかと思います。 ――まずはCDでピアソラの音楽を楽しんでいただき、そのあとはぜひ、会場で生の音を体感してもらえるといいですね！

いつも新しい物語を "歌う"

――今度はピアソラと宮田さんを重ねた質問を。実はピアソラは今でこそ "タンゴの革命児" なんて言われますが、タンゴ作品を作る前はクラシック音楽の作曲をしていましたね。その中で自分のアイデンティティとしてのタンゴをいわば取り戻していくのですが、宮田さんの場合、何かご自身が音楽活動をされるうえで譲れないポイントはありますか？ 「楽器を弾く」という言葉がどうもしっくりこないんです。「弾く」は「ひく」とか「はじく」とも読みますよね。そのイメージから脱却したくって。先ほどもお話しした、チェロは人の声に近いというのもあって、自分の体が楽器である声楽家の方なんかはうらやましいなと思うんです（笑）。弓を使って「弾く」からこそ、「歌う」ことをより強く意識したいと思っています。だからチェロを演奏することを僕のなかでは「歌う」と表現することが一番合っているように感じます。 ――まさに、宮田さんの演奏に対する姿勢そのものだと思います。実際にその歌心溢れる演奏にこれまで多くの人が魅了されてきたことは言うまでもありません。 ありがとうございます。あともう一つは、「どの曲に対しても物語を持つこと」です。バッハの《無伴奏チェロ組曲》は踊りの曲ですけれども、オペラのように物語をイメージして歌うように演奏しています。だから、今回のピアソラの作品もですが、どんな物語が自分の中で今から始まるのか楽しみだなぁと思ってステージに上がるのです。 ――宮田さんのSNSでの発信を拝見していると、これだけたくさんコンサートをされているにも関わらず、宮田さんがいつもコンサートを楽しまれているのが印象的です。この「物語を持つこと」の意識が大きいのでしょうか。 そうだと思います。皆さんに「今日はこんなイメージで演奏しました！」というのをお伝えしたいんですけど、毎回違うストーリーなのでいつも忘れちゃうんです（笑）。 例えば、長調の部分があったとして、おじいちゃんが亡くなっちゃって悲しいんだけど、おじいちゃんが空から自分のことを見守ってくれている、という喜びだったりとか。「嬉しい」と一口に言っても、「ハッピー！」という嬉しさではない種類の感情を表現することもあるのです。 ――かなり具体的な物語で驚きました（笑）。 もちろんお客様にお伝えできればその方がいいのかも知れないですが、お客様のストーリーもあるので、自由に聞いていただくというのもひとつなのかなとは思いますけどね。 ――コロナ禍となって久しいですが、宮田さんは変わらず舞台に立ち続けていらっしゃいます。そんな宮田さんからみて今の演奏会シーンというのはどのように映っていますか？ お客様はコンサート会場へ何かを得るためにいらっしゃる、つまり受け身側でいることが多いと思うんですけど、この世の中になってみて、弾き手と聴き手が一致団結して協力し合うようなコンサートが増えたように思います。 もちろん、音楽を何も考えずにただ聴く、というのも楽しみ方のひとつだと思います。 ――お客様の反応はいかがですか？ 去年の冬や今年の初めあたりはお客様が身を削りながら、リスクを負いながら、聴きに来てくださっていました。そういった意味では、本当に音楽を欲していらっしゃる方がとても多かったですね。そんなときいただく拍手はいつにも増してとてつもない喜びに変わりました。 他にも、声をかけてくださるお客様のなかには「先日自分の旦那さんが亡くなってしまったけれど、コンサートに来てよかった」とおっしゃってくださる方もいました。誰しもそれぞれに色々なことを抱えながら生きていると思うんですが、病院に行く次くらいにコンサートという選択肢を持ってもらえたら、と願っています。

チェロで奏でるピアソラに憧れて

――今回はオール・ピアソラのアルバムということで、宮田さんにとってピアソラはどんな存在ですか？ チェロでピアソラというと真っ先に思い出すのがヨーヨー・マです。子供の頃に音楽教室の演奏旅行で初めてアメリカに行ったときのことです。父と母と（宮田さんのご両親はそヴァイオリンとチェロの教師をされている。）教室の皆さんと一緒に、初めてのロングフライトを経験しました。 そのとき私はずっとヨーヨー・マの『ソウル・オブ・タンゴ』を聴いていたんですよ。たしか、ちょうどグランドキャニオンの上を飛んでる時に《スール 愛への帰還》が流れたんです（笑）。今でも私のとても好きな曲です。 ――《スール 愛への帰還》は今回のアルバムにも収録されていますね。 そうですね。そして他にも思い出の詰まったピアソラ作品もたくさんあったのですが、どうしてもヨーヨー・マが弾くピアソラには勝てない……と。 ――そんな宮田さんの背中を後押ししたものとは何だったのでしょうか？ ほかに類を見ない編成でピアソラを演奏することに興味がありました。今回は、全てオリジナル編曲を施しています。そもそも、チェロでピアソラを演奏する人自体あまりいないので、ピアソラ作品のなかでも有名かどうかに関わらず、「この作品をこの編成でやるの！？」という基準で選んでみました。 ――共演者はバンドネオンの三浦一馬さん、ピアノと編曲で山中惇史さん、そしてウェールズ弦楽四重奏団（﨑谷直人さん（1stヴァイオリン）、三原久遠さん（2ndヴァイオリン）、横溝耕一さん（ヴィオラ）、富岡廉太郎さん（チェロ））という豪華メンバーですね。 いろいろな楽器とチェロを組み合わせることで、もっとチェロという楽器の魅力が伝えられるかなと思ったのです。 ――それにしても全曲オリジナル・アレンジということを伺って、今回のアルバムにかける想いの大きさが伝わってくるような気がします。 今回編曲をしてくださったのは、ピアニストとしても参加いただいている山中さんです。山中さんにほとんど全てをお願いして、《言葉のないミロンガ》だけ三浦一馬さんに編曲してもらいました。今回のアルバムに入っている曲はどれもピアソラ作曲ではありますが、アレンジをしていただいたという点においては山中さん・三浦さんの作品でもあるんですよ。編曲だけじゃなくて、いろんなアイディアを盛り込んでくれました。 例えば《鮫》*はキンテート（＝五重奏。「ピアソラ 五重奏団」はバンドネオン、ヴァイオリン、ピアノ、エレキギター、コントラバスで構成される）で演奏されることが多いです。いろいろな音色の楽器が入ってくる中、今回はウェールズ弦楽四重奏団と私だけで演奏しています。同じ弦楽器だけで作る、削ぎ落とされた美があるように感じます。特にこの《鮫》のメロディをチェロで演奏するのは不可能に近くて、おそらく演奏している人はほとんどいないんじゃないかなぁ。山中さんがうまく編曲してくれました。弦楽四重奏とチェロの独奏によるスリリングな掛け合いが楽しめる仕上がりになったかなと思います。今回の見せ場のひとつでもありますね。
*ピアソラが好んでいたという「鮫釣り」に由来する作品で、旋律が縦横無尽に動く様子がサメを彷彿とさせる ――今回、山中さんは演奏に編曲にと大活躍ですが、そんな山中さんとのコミュニケーションはどんな風に行われていたのでしょうか？ 編曲してくださった人と一緒に演奏している強みとして、「ここは楽譜に書いてあるけど、もっと自由に弾いていいですよ」といった風に、アレンジのイメージがその場で共有できるのです。ほかにも、音楽作りの過程で音を変更したほうがより良い形になる場合は、録音をしながらブラッシュアップしていったところもあります。ディレクターさんもどのテイクを使うか迷うぐらいでした（笑）。 ――なるほど、山中さんはこのアルバムにおけるキーパーソンの1人でもあるわけですね。先ほどの《鮫》で宮田さんと一心同体となってその世界観を作り上げられたウェールズ弦楽四重奏団の皆さんですが、彼らについてはいかがでしたか？ ヴィオラの横溝くんやチェロの富岡くんは高校生から一緒に学んできた仲間です。今回収録した作品の中にはチェロの独奏で弾くには大変なパッセージもたくさんあるし、「これチェロでやるの！？」みたいな作品も多かったんですけれども（笑）、彼らにはずいぶんと助けられました。 ――実際にどんなところで感じましたか？ 意見交換がしやすかったです。押しつけがましくなく、意見を伝えられていたように思います。音楽で対話できているような感じがしました。彼らとはこれまで、過去3回ほどシューベルトの弦楽五重奏をやったことがあります。今回編曲とはいえ、書き下ろしなので彼らにとっても一から譜読みもしたりイメージを作っていかないといけなかったわけです。気心知れたメンバーと一緒に音楽を作れるというのはとても貴重な時間でした。

"楽しい"や"悲しい"では表しきれない領域

――驚いたのが、ピアソラの作品というとバンドネオンのイメージが先行しがちなのですが、チェロの音色とすごくマッチしていたことです。メロディもチェロが弾くこともあればバンドネオンが弾くこともあり、お互いにうまいこと入れ替わりながら繋がっていく様子が絶妙で素晴らしいと思いました。 そうですね。三浦くんとは昔から毎年1〜2回くらい2人で一緒に演奏することがありまして。一緒にデュオリサイタルをさせていただいてるんですけども、彼からピアソラのリズムや色彩感を学びました。例えば「明るい」か「暗い」かだけじゃなくて、そこから滲み出るものがあるんですね。 ――今回のアルバムを拝聴して、一言でいうと宮田さんの演奏から「渋さ」を強く感じました。これまでの純粋なクラシック音楽の演奏を通じては見えてこなかった表情というか。 まさに今おっしゃっていただいた、「明るい」や「暗い」では区別できない、そこから滲み出たような感情に繋がると思います。 チェロって人間の声に近いと言われますが、自分もよくチェロで歌うように演奏するということを心がけています。特に音が飛ぶとき（弦の上を移動する距離が長いとき）には、声楽家の人が声を滑らかに出すために横隔膜を上げるように、その動きをイメージします。そうしないとうまく音が繋がって聴こえないのです。ヴァイオリンは弦の上での移動距離が少ない、ピアノも指を開けば比較的すぐに離れた音を掴むことができます。チェロという楽器の特性上、こうした習慣があるので普段の演奏から呼吸というものは意識しています。 三浦さんと演奏するときは管楽器の方と一緒に演奏するときと似ていますね。バンドネオンって管楽器ではないので息とは少し違いますが、空気を使って音を出す楽器なのでどういう風に空気が出たり入ったりしているのかというのをよく見ていました。実際にチェロで弾き始めるときはどんな呼吸で入ると彼に伝わるか、というのを考えるのです。さらに、音を伸ばしている間に私も息を吸っているのか吐いているのかを意識していました。 ――今のお話はアルバムを聴いていただくと非常によく分かるのではないかと思います。音を伸ばしている間でも音楽の流れは止まっていない。バンドネオンが蛇腹を使って空気を送り込むように、宮田さんのなかでも「呼吸する」というイメージを強くお持ちだったのですね。 はい、ありました。また、バンドネオンの音ってやはり特殊というか、聴くと「これはバンドネオンの音だな」って分かるぐらい個性的な音じゃないですか。そこにチェロのいろんなニュアンスの音色を加えて音を伸ばしていると、バンドネオンなのかチェロの音かどちらの音か分からなくなるほど混ざり合っていくのです。今回は《言葉のないミロンガ》だけ、三浦さんと僕の2人だけで演奏しているのですが、この曲は「明るい」のか「悲しい」のかどちらにも感じられるような作品です。 ――「明るくもあり暗くもある」というのは、《言葉のないミロンガ》での宮田さんのメロディの歌い方にもよく表れていたように思います。さらに、三浦さんの音色とも非常によく調和していたのも印象的です。宮田さんの耳でバンドネオンの音を真似るというか、近づけるというか、そういったような作業はあったのでしょうか？ まさにそうですね。今回アルバムに収録した作品の中でも、特に《言葉のないミロンガ》は三浦さんと2人だけの世界がいいかなという考えで、編成を決めました。他にも《スール 愛への帰還》でも三浦さんと僕とでパートを分け合って演奏しています。

コラボレーションを重ねる

――今回のアルバムでもそうですが、宮田さんはこれまでもたくさんの方とコラボレーションを多く重ねられてきたという印象があります。コラボレーションすることによって、宮田さん自身にどんな作用がありますか？ いろんな楽器の方と演奏すると、その人が持っている自分とは全く違うイメージをいただいたり、その楽器ならではの特徴や心がけを知ることができます。ギタリストの大萩康司さんだと音が減衰していくギターをどんな風に扱っているのか、とか。ピアノも減衰しますがペダルがありますよね。ギターにはないので、そのときどうしているのかを観察していました。そうやって彼をみていると、私以上に「歌おう」としてくれているような感じがしたのです。私は弓で弦を撫でているだけで音をキープできるんですけど、ギターだとそうはいかないぶん、大萩さんと演奏するときはより「一音が訴える力の大きさ」があるように思います。 宮田さんと大萩さんのアルバム「Travelogue」より ――オーケストラとの共演はいかがですか？ オーケストラの楽器特有の軽さや重さーーチューバの方とオーボエの方だと全然違う重みがあります。そんな時は恰幅のいいアメリカ人のような人が歌っているのか、シュッとした凛々しい蝶ネクタイをしたイギリス人が歌うのか、などいろんなイメージを作りながら演奏しています。オーケストラとリハーサルする時って、ステージの内側を向いて行うので、例えば楽器を吹いている人が女性なのか男性なのかでも登場人物が変わってきたりしますよ。 ――今後やってみたいコラボレーションはありますか？ 以前、人形浄瑠璃文楽の人形遣いである桐竹勘十郎さんと一緒に黛敏郎さんの《BUNRAKU》を演奏したことがあります。その時は、普段やり慣れている音での対話ではなく、雰囲気や仕草を通して感じることがとてもたくさんありました。今後は音を発しない方々ともコラボレーションできたら嬉しいなと思います。

一期一会の音楽を生み出すために

―― 冒頭にも出てきた「一期一会」という言葉ですが、この一期一会の音楽を作り出すために、意識されていることはありますか？ 毎日練習していると、だんだん音楽に対して固定観念というか、この曲に対してここはこういう風にしなければいけないという考えになりがちなのですが、決してそれを「発表する場」にはしないようにしています。自分で固めてしまうとチェック項目がいっぱい出てくるんですよ。そしてそのチェック項目を確認するという後追いの音楽になっちゃうんですね。そうではなくて、コンサートって「演奏する場」でありたいと思っています。例えば、練習ではパレットにいっぱい絵の具を広げて汚れているんですけど、全部舞台上に上がるときには全部洗い流して臨みます。そうして真っ白なパレットな状態になってから、また新しく色をのせていきます。 ――舞台の上で新しく色を広げるーー。実際の宮田さんの演奏からも決して用意されたものではない様子がうかがえますし、何より聴衆が音楽にすっと入りやすいのはそのためだと思いました！最後に、宮田さんにとって今回のアルバムはどんな位置づけになるでしょうか？ 近年出しているアルバムはわりと特殊なものが多いんです。本当はもっと王道なドヴォルザークの《チェロ協奏曲》とか《チェロ・ソナタ》を出すことも考えられるのですが、いろんな方々に聴いてもらおうという気持ちを込めて、エルガーの《チェロ協奏曲》や大萩さんとのデュオによるアルバムを発表してきました。王道ではないからこそ、いろんな形で自己紹介ができている感じがあります。だから、さまざまな柄の名刺を配ることができている気分です。それぞれに想いを込めた名刺を皆さんにお渡しているような。 そして今回のCDではピアソラの中でもいろんな年代に書かれた作品が並び、ピアソラの歴史を感じられるようになっています。CDを聴いてくださる方もご自身の年を重ねていくことに聴き方も変わってくると思うので、人生と照らし合わせながら聴いていただけたら嬉しいです。 ――これまでお話をうかがってきて、宮田さんご自身がその時々での演奏を楽しみつつ、また、アーティストの方だけでなく、私たち聴衆にも寄り添って共鳴してくださっているような感覚が強まりました。 ありがたいことにですね、たくさんコンサートをさせていただいていて、体力や筋力は減っていくのですが（笑）、やはり多くの感情やイメージだったり、そして物語を毎回いただくことができるので、これからも続けていきたいです。息の長い演奏家でありたいと思っています。自分はまだ35歳で、40歳になったらできる音楽というのは今できないですが、だからこそ、35歳の今できる限りの演奏をしていくしかないのかな、と。だから今が100点満点でも、恐らく次の日に演奏したときは80%や50%だと思えるような感じになると思うのですが、それって言い換えると1つずつステップを上がっているという証拠だと思うのです。だから、常に今がMAXの演奏をしていきたいと思っています！ ＜取材・文　北山奏子＞

インフォメーション

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宮田 大（チェロ） 2009年、ロストロポーヴィチ国際チェロコンクールにおいて、日本人として初めて優勝。これまでに参加した全てのコンクールで優勝を果たしている。その圧倒的な演奏は、作曲家や共演者からの支持が厚く、世界的指揮者・小澤征爾にも絶賛され、日本を代表するチェリストとして国際的な活動を繰り広げている。 2009年にスイスのジュネーヴ音楽院卒業、 2013年6月にドイツのクロンベルク・アカデミー修了。 チェロを倉田澄子、フランス・ヘルメルソンの各氏に、室内楽を東京クヮルテット、原田禎夫、原田幸一郎、加藤知子、今井信子、リチャード・ヤング、ガボール・タカーチ＝ナジの各氏に師事する。 これまでに国内の主要オーケストラはもとより、パリ管弦楽団、ロシア国立交響楽団、フランクフルトシンフォニエッタ、 S.K. ドイツ放送フィルハーモニー管弦楽団、スロヴァキア・フィルハーモニー管弦楽団、プラハ放送交響楽団、ハンガリー放送交響楽団、ベトナム国立交響楽団などと共演している。また、日本を代表する多くの演奏家・指揮者との共演に加え、小澤征爾、E. インバル、 L. スワロフスキー、 C. ポッペン、 D. エッティンガー、V.ポリャンスキー、V.シナイスキーをはじめとした指揮者や、 L. ハレル、 G. クレーメル、 Y. バシュメット、 M. ヴェンゲーロフ、 A. デュメイなどの奏者と共演。